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Performance ou récit ? » – Comment Aristote distingue-t-il mimésis et diégèse
Au théâtre, à la télévision, au cinéma et dans les arts du spectacle, quel que soit le média, la frontière entre le jeu d’acteur et la narration est souvent floue. Pour un acteur, il ne joue pas seulement un rôle dans la performance, mais il doit également interpréter les émotions et l'intrigue de l'histoire à travers son rôle. Ce processus a été étudié en profondeur par le philosophe grec Aristote dès 335 av. J.-C. Dans son ouvrage Poétique, il distingue clairement la mimésis de l’imitation. La « diégèse » (narration) et la « mimésis » (récit) sont deux manières différentes de raconter une histoire.
Aristote croyait que la mimésis est la présentation d'une histoire par l'action, tandis que la diégèse est la présentation d'une histoire par le récit.
Dans la Grèce antique, les représentations théâtrales étaient généralement racontées par le chœur. Par exemple, ils disaient « Dionysos a fait ceci, Dionysos a dit », ce qui obligeait le public à accepter les conseils du narrateur. Cependant, lorsque l'acteur s'est levé pour la première fois et a dit dans son personnage : « Je suis Dionysos, et j'ai fait ça », la manière dont toute l'histoire a été présentée a fondamentalement changé. C’est exactement le processus décrit par ce qu’Aristote appelle la mimésis, qui permet au public de ressentir les émotions du personnage plutôt que de simplement écouter le récit. Grâce à de telles performances, le public peut s’immerger plus pleinement dans l’histoire et ressentir les joies, les peines, la colère et le bonheur que traversent les personnages.
Formation et développement du jeu d'acteur
Afin d'améliorer encore leurs compétences d'acteur, de nombreux acteurs reçoivent une formation à long terme dans des écoles professionnelles. Ces écoles proposent généralement des cours de formation de deux à quatre ans, couvrant diverses compétences requises pour jouer, notamment l'expression émotionnelle, les mouvements corporels et expression de la voix. . Du point de vue d’un acteur, la maîtrise de ces compétences n’est pas seulement une exigence de performance, mais aussi une exploration de ses propres émotions et de ses interactions interpersonnelles.
De nombreux acteurs professionnels suivent une formation approfondie, travaillent avec plusieurs mentors et s'exercent sur une variété de scènes et de productions.
Pendant la formation, les étudiants apprennent à improviser, un processus qui stimule la créativité par le stress et le défi. L’improvisation améliore non seulement les capacités de réaction immédiate des acteurs, mais leur permet également d’approfondir leur compréhension et leurs sentiments dans le jeu de rôle. Konstantin Stanislavsky, l'inventeur des « Principes* », croyait que l'improvisation était un moyen de rester dans le processus créatif, de favoriser une interaction authentique entre les acteurs et d'ajouter de la profondeur à l'histoire.
Effets physiologiques et psychologiques
Les acteurs sont souvent confrontés à des niveaux élevés de stress et d'anxiété lorsqu'ils se produisent sur scène, ce que l'on appelle également le « trac ». L'étude a souligné que les acteurs professionnels et amateurs subiront des réactions physiologiques telles qu'une accélération du rythme cardiaque et une augmentation de la pression artérielle pendant la représentation, tandis que les acteurs expérimentés peuvent gérer ce stress relativement mieux et montrer une variabilité du rythme cardiaque plus faible. Cela signifie qu’à mesure que les acteurs gagnent en expérience, leurs réactions d’anxiété et de rythme cardiaque se stabiliseront lentement, ce qui conduira à de meilleures performances.
Une formation efficace en théâtre et des techniques de prise de parole en public peuvent aider les acteurs à réduire leur anxiété physique et leur stress psychologique lors de leurs performances.
En outre, les idées d’Aristote aident à comprendre comment la performance scénique peut servir de forme d’interaction sociale : les réactions et les émotions du public peuvent influencer davantage les performances des acteurs. Les émotions des acteurs sur scène créent une résonance avec le public, donnant ainsi vie à l’histoire.
La relation entre semi-sémiotique et performance
Une exploration plus approfondie de la semi-sémiotique de la performance peut nous aider à mieux comprendre les effets de communication des performances des acteurs. Les gestes, les expressions faciales, la qualité de la voix, etc. de l'acteur jouent un rôle essentiel. Ces performances doivent non seulement faire écho aux émotions intérieures du personnage, mais aussi s'intégrer à l'intrigue générale pour transmettre un message plus profond.
Comme l'a noté Stanislavski, les acteurs doivent être pleinement présents dans leurs rôles tout en étant sensibles à l'ajustement de leur performance pour améliorer la signification dramatique globale. Dans cette conception, la mimésis n’est pas seulement une imitation, mais un processus de communication vivant qui peut même aller au-delà du sens superficiel et affecter les émotions du public.
Conclusion
La distinction d’Aristote entre mimésis et diégèse est toujours présente dans les arts du spectacle d’aujourd’hui. L’interaction entre le public et les acteurs ne concerne pas seulement la présentation d’une histoire, mais aussi la résonance des émotions. Existe-t-il d’autres moyens sur cette scène qui peuvent nous faire repenser la nature de la performance ?
