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Performance o narrazione?" - Come distingue Aristotele tra mimesi e diegesi
Nel teatro, in televisione, nel cinema e nelle arti performative in ogni ambito, il confine tra recitazione e narrazione è spesso labile. Per un attore non è solo importante interpretare un ruolo nella performance, ma anche interpretare le emozioni e la trama della storia attraverso il ruolo. Questo processo fu esplorato in profondità dall'antico filosofo greco Aristotele già nel 335 a.C. Nel suo libro Poetica, egli distinse chiaramente tra mimesi e imitazione. e "diegesi" (narrazione) sono due modi diversi di raccontare una storia.
Aristotele riteneva che la mimesi fosse la presentazione di una storia attraverso l'azione, mentre la diegesi fosse la presentazione di una storia attraverso la narrazione.
Nell'antica Grecia, le rappresentazioni teatrali erano solitamente narrate dal coro; ad esempio, si diceva "Dioniso fece questo, Dioniso disse", il che richiedeva al pubblico di accettare la guida del narratore. Tuttavia, quando l'attore si alzò per la prima volta e disse, interpretando il suo personaggio, "Io sono Dioniso e ho fatto questo", il modo in cui l'intera storia venne presentata cambiò radicalmente. Questo è esattamente il processo descritto da Aristotele che chiamava mimesis, che consente al pubblico di provare le emozioni del personaggio anziché limitarsi ad ascoltare la narrazione. Attraverso tali rappresentazioni, il pubblico ha la possibilità di immergersi più pienamente nella storia e di sperimentare le gioie, i dolori, la rabbia e la felicità che i personaggi attraversano.
Formazione e sviluppo della recitazione
Per migliorare ulteriormente le proprie capacità di recitazione, molti attori ricevono una formazione a lungo termine in scuole professionali. Queste scuole solitamente forniscono corsi di formazione da due a quattro anni, che coprono varie competenze richieste per la recitazione, tra cui espressione emotiva, movimenti del corpo e espressione vocale. Dal punto di vista di un attore, padroneggiare queste abilità non è solo un requisito per la performance, ma anche un'esplorazione delle proprie emozioni e interazioni interpersonali.
Molti attori professionisti seguono una formazione approfondita, lavorando con diversi mentori e facendo pratica su diverse scene e produzioni.
Durante la formazione, gli studenti imparano a improvvisare, un processo che stimola la creatività attraverso lo stress e la sfida. L'improvvisazione non solo migliora le capacità di reazione immediata degli attori, ma consente loro anche di approfondire la loro comprensione e i loro sentimenti nel gioco di ruolo. Konstantin Stanislavsky, l'inventore dei "Principi*", credeva che l'improvvisazione fosse un mezzo per restare nel processo creativo, promuovere un'interazione autentica tra gli attori e aggiungere profondità alla storia.
Effetti fisiologici e psicologici
Gli attori spesso affrontano livelli elevati di stress e ansia quando si esibiscono sul palco, fenomeno noto anche come "paura del palcoscenico". Lo studio ha evidenziato che sia gli attori professionisti che quelli amatoriali sperimentano reazioni fisiologiche come un battito cardiaco accelerato e un aumento della pressione sanguigna durante l'esibizione, mentre gli attori esperti riescono a gestire questo stress relativamente meglio e mostrano una minore variabilità della frequenza cardiaca. Ciò significa che man mano che gli attori acquisiscono esperienza, la loro ansia e la loro frequenza cardiaca si stabilizzeranno gradualmente, portando a prestazioni migliori.
Una formazione efficace sulla recitazione e sulle tecniche di oratoria possono aiutare gli attori a ridurre l'ansia fisica e lo stress psicologico durante le esibizioni.
Inoltre, le idee di Aristotele aiutano a comprendere come la rappresentazione teatrale possa fungere da forma di interazione sociale: le reazioni e le emozioni del pubblico possono influenzare ulteriormente le performance degli attori. Le emozioni degli attori sul palco creano una risonanza con il pubblico, dando così vita alla storia.
Il rapporto tra semi-semiotica e performance
Un'esplorazione più approfondita della semi-semiotica della performance può aiutarci a comprendere meglio gli effetti comunicativi delle performance degli attori. I gesti dell'attore, le espressioni facciali, la qualità della voce, ecc. svolgono tutti un ruolo fondamentale. Queste performance non devono solo riecheggiare le emozioni interiori del personaggio, ma devono anche essere integrate con la trama generale per trasmettere un messaggio con un significato più profondo.
Come ha osservato Stanislavskij, gli attori devono essere pienamente presenti nei loro ruoli, ma allo stesso tempo devono saper adattare la loro interpretazione per esaltare il significato drammatico complessivo. In questa accezione, la mimesi non è una semplice imitazione, ma un processo comunicativo vivo che può andare oltre il significato superficiale e influenzare le emozioni del pubblico.
Conclusione
La distinzione aristotelica tra mimesi e diegesi è ancora vivida nelle arti performative odierne. L'interazione tra il pubblico e gli attori non riguarda solo la presentazione di una storia, ma anche la risonanza delle emozioni. Ci sono altri modi, su questo palcoscenico, che possono farci riconsiderare la natura della performance?
