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Observateur ou créateur ? Comment six points de vue subvertissent-ils complètement la performance traditionnelle ?
Dans le monde de l’art d’aujourd’hui, les « Six points de vue » sont devenus un nouveau cadre créatif et analytique qui remet en question la dépendance aux structures fixes et aux récits linéaires dans les arts du spectacle traditionnels. Cet enseignement et cette pratique artistique fondés sur le mouvement remodèlent non seulement la relation entre les acteurs et l’espace, les émotions et leur propre corps, mais incitent également les arts de la scène à s’éloigner d’une performance fragmentée vers un modèle de création partagée plus fluide et plus ouvert.
Six Viewpoints est une approche artistique déconstructive qui part de six matériaux : l’espace, la forme, le temps, l’émotion, le mouvement et l’histoire, et explore comment ils peuvent être réassemblés dans un environnement non hiérarchique.
Contexte et importance
Le concept des six points de vue a été proposé pour la première fois par la maîtresse de théâtre et éducatrice Mary Overy dans les années 1970 et développé plus avant dans son livre Standing in Space: The Six Viewpoints Theory & Practice. La perspective d’Overy a grandement contribué au développement des mouvements contemporains de théâtre, de danse et de chorégraphie postmodernes, en particulier dans sa résistance à l’accent mis par le modernisme sur les structures de classe et les significations fixes dans la création de performances.
Principes fondamentaux du point de vue
Le cœur des six points de vue réside dans leur principe d’« horizontalité », qui met l’accent sur l’organisation non hiérarchique des éléments de performance. Dans ce projet, la co-création entre interprètes et créateurs devient centrale, et les acteurs doivent utiliser pleinement leurs propres impulsions physiques et leurs expériences personnelles pour devenir un élément indispensable du processus créatif.
Overi estime que ce changement de perspective redéfinit le rôle de l'art et des artistes, d'une mentalité de « créateur » à celle d'« observateur/participant », créant de manière témoin et interactive.
Les six éléments du point de vue
Les six points de vue (SSTEMS) incluent l'espace, la forme, le temps, l'émotion, le mouvement et l'histoire. Au sein de ces éléments, l’artiste est encouragé à traiter chacun comme une entité indépendante et à renoncer à tout désir de contrôler le matériau.
Plutôt que de mettre l’accent sur des histoires et des émotions spécifiques, la perspective d’Overy permet à ces six éléments de mener la conversation pendant le processus créatif, favorisant ainsi de nouvelles formes de langage scénique.
Pont de la Création
La « Bridge Theory » d’Overey se compose de neuf laboratoires qui fournissent aux artistes un cadre méthodologique pour s’engager avec le matériau, déconstruire et reconstruire la performance pour acquérir une compréhension plus approfondie du rôle et de la valeur de chaque élément.
La théorie du point de vue de Bogart et Landau
Dans leur livre The Viewpoints Book: A Practical Guide to Viewpoints and Composition, Anne Bogart et Tina Landau développent davantage les six points de vue pour inclure des points de vue clés liés au temps et à l'espace, ainsi qu'au point de vue sonore. Grâce à l’introduction de ces concepts, les interprètes peuvent appliquer ces perspectives lors des répétitions et des performances pour former une esthétique scénique unique.
La perspective de Bogart n’est pas seulement une technique physique, mais aussi une fusion de philosophie, d’esprit et d’esthétique, permettant à l’acteur de se fondre dans l’environnement sur scène et d’établir une connexion plus profonde avec le public.
Impact et perspectives d'avenir
La théorie du point de vue d'Overey a été influencée par plusieurs prédécesseurs, notamment les techniques de performance non hiérarchiques préconisées par Martha Graham et ses pairs. Ces théories influencent non seulement les pratiques de performance actuelles, mais façonnent également l’orientation de la création artistique future.
Dans la quête des arts du spectacle, nous ne pouvons nous empêcher de nous demander si les artistes devraient sortir du mode créatif inhérent et se tourner vers une forme d'expression plus libre, afin que chaque interprète puisse faire partie de la co-création ?
