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Performance ou narrativa?” - Aristóteles Como distinguir entre mimese e diegese
No teatro, na televisão, no cinema e nas artes cênicas em todos os meios, a linha entre atuação e narrativa costuma ser tênue. Para um ator, ele não apenas desempenha um papel na performance, mas também precisa interpretar as emoções e o enredo da história por meio do papel. Esse processo foi explorado em profundidade pelo antigo filósofo grego Aristóteles já em 335 a.C. Em seu livro Poética, ele distinguiu claramente entre mimese e imitação. e “diegese” (narração) são duas maneiras diferentes de contar uma história.
Aristóteles acreditava que a mimese é a apresentação de uma história por meio da ação, enquanto a diegese é a apresentação de uma história por meio da narrativa.
Na Grécia antiga, as apresentações teatrais eram geralmente narradas pelo coro, por exemplo, eles diziam "Dionísio fez isso, Dionísio disse", o que exigia que o público aceitasse a orientação do narrador. No entanto, quando o ator se levantou pela primeira vez e disse no personagem: "Eu sou Dionísio e fiz isso", a maneira como toda a história foi apresentada mudou fundamentalmente. Esse é exatamente o processo descrito pelo que Aristóteles chamou de mimese, que permite ao público vivenciar as emoções do personagem em vez de apenas ouvir a narrativa. Por meio dessas performances, o público consegue mergulhar mais profundamente na história e vivenciar as alegrias, tristezas, raiva e felicidade pelas quais os personagens passam.
Treinamento e Desenvolvimento de Atuação
Para melhorar ainda mais suas habilidades de atuação, muitos atores recebem treinamento de longo prazo em escolas profissionais. Essas escolas geralmente oferecem de dois a quatro anos de cursos de treinamento, cobrindo várias habilidades necessárias para atuar, incluindo expressão emocional, movimentos corporais e expressão de voz. . Da perspectiva do ator, dominar essas habilidades não é apenas um requisito para a performance, mas também uma exploração das próprias emoções e interações interpessoais.
Muitos atores profissionais passam por um treinamento extensivo, trabalham com vários mentores e praticam em uma variedade de cenas e produções.
Durante o treinamento, os alunos aprendem a improvisar, um processo que estimula a criatividade por meio do estresse e do desafio. A improvisação não só melhora as habilidades de reação imediata dos atores, mas também permite que eles aprofundem sua compreensão e sentimentos na interpretação de papéis. Konstantin Stanislavsky, o inventor de "Os Princípios*", acreditava que a improvisação era um meio de permanecer no processo criativo, promovendo interação autêntica entre atores e adicionando profundidade à história.
Efeitos fisiológicos e psicológicos
Atores frequentemente enfrentam altos níveis de estresse e ansiedade quando atuam no palco, o que também é conhecido como "medo do palco". O estudo destacou que tanto atores profissionais quanto amadores experimentarão reações fisiológicas como aceleração da frequência cardíaca e aumento da pressão arterial durante a apresentação, enquanto atores experientes conseguem administrar esse estresse relativamente melhor e apresentar menor variabilidade da frequência cardíaca. Isso significa que, à medida que os atores ganham experiência, suas respostas de ansiedade e frequência cardíaca se estabilizam lentamente, levando a melhores performances.
Treinamento eficaz de atuação e técnicas de falar em público podem ajudar os atores a reduzir a ansiedade física e o estresse psicológico durante as apresentações.
Além disso, as ideias de Aristóteles ajudam a entender como a performance no palco pode servir como uma forma de interação social: as reações e emoções do público podem influenciar ainda mais as performances dos atores. As emoções dos atores no palco criam uma ressonância com o público, dando vida à história.
A relação entre semi-semiótica e performance
Uma exploração mais profunda da semi-semiótica da performance pode nos ajudar a entender melhor os efeitos comunicacionais das performances dos atores. Os gestos do ator, expressões faciais, qualidade da voz, etc., todos desempenham um papel vital. Essas performances não devem apenas ecoar as emoções internas do personagem, mas também ser integradas ao enredo geral para transmitir uma mensagem com significado mais profundo.
Como Stanislavski observou, os atores precisam estar totalmente presentes em seus papéis e, ao mesmo tempo, serem sensíveis ao ajustar sua performance para realçar o significado dramático geral. Nesse entendimento, a mimese não é apenas uma imitação, mas um processo de comunicação vivo que pode ir além do significado superficial e afetar as emoções do público.
Conclusão
A distinção de Aristóteles entre mimese e diegese ainda é vívida nas artes cênicas de hoje. A interação entre o público e os atores não se trata apenas da apresentação de uma história, mas também da ressonância de emoções. Existem outras maneiras neste palco que podem nos fazer repensar a natureza da performance?
