Language
Country/Area
No result found
Biểu diễn hay tường thuật?" - Aristotle phân biệt giữa mimesis và diegesis như thế nào
Trong sân khấu, truyền hình, điện ảnh và nghệ thuật biểu diễn trên nhiều phương tiện truyền thông khác nhau, ranh giới giữa diễn xuất và kể chuyện thường bị xóa nhòa. Đối với một diễn viên, họ không chỉ đóng vai trong diễn xuất của mình mà còn cần diễn giải cảm xúc và cốt truyện của câu chuyện thông qua vai diễn đó. Quá trình này đã được thảo luận sâu sắc bởi Aristotle, một triết gia Hy Lạp cổ đại ngay từ năm 335 trước Công nguyên, trong cuốn sách “Thơ ca”, ông đã phân biệt rõ ràng “mimesis” (bắt chước) và “diegesis” (tường thuật) là hai cách truyền tải câu chuyện khác nhau. .
Aristotle tin rằng bắt chước là sự trình bày câu chuyện thông qua hành động, trong khi diegesis là việc truyền tải câu chuyện thông qua tường thuật.
Vào thời Hy Lạp cổ đại, các buổi biểu diễn sân khấu thường được kể lại bằng dàn đồng ca. Ví dụ: họ sẽ nói "Dionysus đã làm điều này, Dionysus đã nói", điều này yêu cầu khán giả phải chấp nhận sự hướng dẫn của Người kể chuyện. Tuy nhiên, khi nam diễn viên lần đầu tiên đứng lên và nói với tư cách là một nhân vật, "Tôi là Dionysus và tôi đã làm điều này", toàn bộ cách trình bày câu chuyện về cơ bản đã thay đổi. Đây chính xác là quá trình được Aristotle gọi là bắt chước, cho phép khán giả trải nghiệm cảm xúc của nhân vật thay vì chỉ nghe lời kể. Thông qua những màn trình diễn như vậy, khán giả có thể hòa nhập trọn vẹn hơn vào câu chuyện và trải nghiệm những niềm vui, nỗi buồn, niềm vui mà các nhân vật đã trải qua.
Đào tạo và phát triển diễn xuất
Để nâng cao hơn nữa kỹ năng diễn xuất của mình, nhiều diễn viên phải trải qua khóa đào tạo dài hạn ở các trường chuyên nghiệp. Những trường này thường cung cấp các khóa đào tạo kéo dài từ hai đến bốn năm, bao gồm nhiều kỹ năng cần thiết cho diễn xuất, bao gồm biểu hiện cảm xúc, chuyển động cơ thể và các kỹ năng khác. biểu hiện giọng nói. Từ góc độ của một diễn viên, việc thành thạo những kỹ năng này không chỉ là yêu cầu về diễn xuất mà còn là sự khám phá cảm xúc của chính mình và sự tương tác giữa các cá nhân.
Nhiều diễn viên chuyên nghiệp đã trải qua quá trình đào tạo chuyên sâu, nhận được sự hướng dẫn từ nhiều người hướng dẫn và luyện tập trong nhiều cảnh quay và tác phẩm khác nhau.
Trong quá trình đào tạo, học sinh cần được học khả năng ứng biến, là quá trình kích thích sự sáng tạo thông qua áp lực và thử thách. Sự ứng biến không chỉ củng cố khả năng phản ứng tại chỗ của diễn viên mà còn cho phép họ hiểu sâu hơn và cảm xúc khi nhập vai. Konstantin Stanislavsky, người phát minh ra Principia*, tin rằng sự ứng biến là một phương tiện tồn tại trong quá trình sáng tạo, thúc đẩy sự tương tác thực sự giữa các diễn viên và tăng thêm chiều sâu cho câu chuyện.
Tác dụng sinh lý, tâm lý
Diễn viên thường phải đối mặt với mức độ căng thẳng và lo lắng cao khi biểu diễn trên sân khấu, còn được gọi là "sợ sân khấu". Nghiên cứu chỉ ra rằng cả diễn viên chuyên nghiệp và nghiệp dư đều sẽ trải qua các phản ứng sinh lý như nhịp tim tăng nhanh và huyết áp tăng trong khi biểu diễn, trong khi các diễn viên có kinh nghiệm có thể kiểm soát căng thẳng này tương đối tốt hơn và thể hiện sự thay đổi nhịp tim thấp hơn. Điều này có nghĩa là khi các diễn viên có được kinh nghiệm, phản ứng lo lắng và nhịp tim của họ sẽ dần ổn định, dẫn đến hiệu suất tốt hơn.
Đào tạo diễn xuất hiệu quả và kỹ năng nói trước công chúng có thể giúp diễn viên giảm bớt lo lắng về thể chất và căng thẳng tâm lý khi biểu diễn.
Hơn nữa, quan điểm của Aristotle giúp hiểu được cách biểu diễn trên sân khấu đóng vai trò như một hình thức tương tác xã hội: phản ứng và cảm xúc của khán giả có thể ảnh hưởng hơn nữa đến màn trình diễn của diễn viên. Cảm xúc của các diễn viên trên sân khấu tạo ra sự cộng hưởng với khán giả, khiến câu chuyện trở nên sống động.
Mối quan hệ giữa dấu hiệu học và biểu diễn
Khám phá sâu sắc tính chất bán ký hiệu của việc biểu diễn có thể giúp chúng ta hiểu rõ hơn về hiệu quả truyền tải của màn trình diễn của diễn viên. Cử chỉ, nét mặt, chất lượng giọng nói, v.v. của diễn viên đều đóng vai trò quan trọng. Những màn trình diễn này không chỉ thể hiện được cảm xúc nội tâm của nhân vật mà còn phải lồng ghép với cốt truyện tổng thể để truyền tải một thông điệp có ý nghĩa sâu sắc hơn.
Như Stanislavsky đã đề cập, các diễn viên cần đầu tư vào vai diễn của mình đồng thời điều chỉnh sâu sắc diễn xuất của mình để nâng cao ý nghĩa kịch tính tổng thể. Theo cách hiểu này, “bắt chước” không chỉ là một kiểu bắt chước mà là một quá trình giao tiếp sống động, thậm chí có thể vượt qua ý nghĩa bề ngoài và ảnh hưởng đến cảm xúc của khán giả.
Kết luận
Trong nghệ thuật biểu diễn ngày nay, sự khác biệt giữa bắt chước và diegesis do Aristotle xác định vẫn còn rất rõ ràng. Sự tương tác giữa khán giả và diễn viên không chỉ là cách trình bày câu chuyện mà còn là sự cộng hưởng của cảm xúc. Có cách nào khác để chúng ta có thể suy nghĩ lại về bản chất của việc biểu diễn trên sân khấu này không?
