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二战后美国艺术的转捩点：为什么抽象表现主义突然崛起？
在二战结束后不久，美国艺术界见证了一个重要的转捩点——抽象表现主义的诞生。这一智慧结晶的艺术运动，不仅是在当时艺术界的一次重构，更是对抗传统艺术形式的一种反叛。 1946年，艺术评论家罗伯特·科茨（Robert Coates）首次使用「抽象表现主义」来描述美国艺术，这标志着一个新时代的来临。来自旧金山湾区的艺术家们，如阿希尔·戈基（Arshile Gorky）、杰克逊·波洛克（Jackson Pollock）、弗朗兹·克莱因（Franz Kline）、马克·罗斯科（Mark Rothko）及其他人，皆为这一运动的奠基石。
抽象表现主义根植于德国表现主义的情感强度，以及欧洲前卫学派的视觉词汇，从而形成了一种强烈的叛逆感。
抽象表现主义的艺术家并不仅限于画作，还包含了诸多具有影响力的拼贴艺术家和雕塑家。这运动的背后，潜藏着超现实主义艺术家的自发性和潜意识创作方法，譬如安德烈·马松（André Masson）和马克斯·恩斯特（Max Ernst）等人的影响。艺术家们将德国表现主义的情感强度与欧洲前卫学派的激进视觉词汇相结合，且展现出强烈的个性特征。这些特征使得抽象表现主义不仅成为美国艺术的创新，也在国际上取得了前所未有的影响力，重塑了西方艺术的中心地位。
批评家哈罗德·罗森伯格提出，画布不再只是图像，而是「行动的舞台」。这一观念的出现，为行动画派的定义打下了基础。
许多当时的批评家对于抽象表现主义的成长发挥了关键作用。克莱门特·格林伯格（Clement Greenberg）和哈罗德·罗森伯格（Harold Rosenberg）透过他们的著作推广了抽象表现主义艺术家的作品，特别是杰克逊·波洛克的作品。此运动的兴起正值麦卡锡时代，这是一个充斥着艺术审查的时期，因此如果作品完全抽象，则其主题便显得无关政治，且可谓「安全」。
战后的美国社会需要一种艺术，来应对当时的政治及社会氛围，抽象表现主义正好填补了这一空白。
不过为什么这一风格会在1950年代获得主流的接受，至今仍是艺术界讨论的话题。美国社会现实主义在1930年代曾占有重要地位，主要受到经济大萧条及墨西哥壁画家的影响。然而，随着二战后剧变的政治气候，这类带有社会政治内容的艺术受到排斥。反观抽象表现主义，却为当时的艺术家提供了一个相对安全的表达场域。
抽象表现主义的魅力在于其自我否定的特质，使之不再固定于任何具体的形式和内容。
除了油画创作，拼贴艺术的安·赖恩（Anne Ryan）及雕塑家如大卫·史密斯（David Smith）和伊薇·诺古奇（Isamu Noguchi）等也是这一运动的重要组成部分。随着美国艺术界日渐扩展，许多著名的画廊开始包括抽象表现主义的艺术家，正如西村的庞克风潮那般，掀起了一场艺术风暴。这一时期，新纽约学派的成立不仅强调了艺术的多样性，也强烈凸显了艺术作为一种行动的特征。
抽象表现主义让我们重新思考了艺术的定义和功能，而这种探索至今仍在持续。
整个二十世纪的下半叶，抽象表现主义不仅仅是艺术运动，还孕育了许多分支及影响，从流行艺术（Pop Art）到极简主义（Minimalism）。与此同时，米哈伊·戈尔金（Mikhail Gorky）和詹姆斯·罗薇（James Rosenberg）等人也在其中探求个人与集体的创作经历。抽象表现主义的兴起，值得我们思考的是：在当今多元的艺术界中，是否还存在一种独特的风格能够重振艺术的核心意义？
